博士生导师毛建波

㈠ 徐华的众人评说

1、(王伯敏 中国美术学院教授 博士生导师 史学大家)
“莫高古韵，徐华仁棣以水墨写敦煌之莫高窟，得古韵又得风沙意趣，赏心悦目之致”。为作品《水墨敦煌》题。
2、（程征 西安美术学院教授 博士生导师 著名美术评论家）
读徐华的山水近作，已具大家气象。几年间，他守得住清雅格调，不温不火，一如其人。山水贵能养气，徐华的画可作如是观。他从西美到国美，转益多师，访名山，游古迹。视野既开，只要守得寂寞，闲时读书，大成近矣。
3、（刘天琪 西安工业大学艺术传媒学院教授 美术学博士）
丙戌九秋，吾负笈长安攻读。越明年，识徐华道兄，或与我曾在金城求学相关，与其谈书论画，颇为投缘。徐兄习画多年，辗转南北，既得三山五岳之氤氲变幻，也得古庙旧观之明灭相掩之风。昔苦瓜和尚云：“夫画，天下变通之大法也，山川形势之精英也，古今造物之陶冶也，阴阳气度之流行也，借笔墨以写天地万物而陶泳乎我也”徐兄正是本此道而行之，且学有所成，故其水墨虽淡然却不闲散，随从容却不放纵，远山淡水，以“新水墨”或可得之。其“新”着，既有山水技法之探索，也有构图与墨色的琢磨，意在突破前人绳轨，以淡墨皴染营造更为朦胧滋润的气象。我常常激赏这样的探索精神，随不尽完美，也充满了变数，但却为成为大家奠定了重要的基础。徐华兄清雅品正，心性淡泊，其独爱静观之境；其画空灵淡雅，墨色简约，具浓郁文人画气息，可用简远境清目之。昔董玄宰曾云：“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内英，立成鄄鄂。随手写出，皆为山水传神也。”如徐华兄时能读书观道，画外修文，可期大成之日。
4、(毛建波 中国美术学院史论系教授 博士生导师 美术评论家)
徐华一方面研习古代文学、历史、美学、中国画论等，提高综合素养;一方面精进传统笔墨功夫，他深知“传统笔墨是中国山水画发展的灵魂，传统笔墨其实就是绘画功力，传统笔墨是一个永恒的精神标准，在中国画中，传统笔墨体现着人性、人理、人文和艺能等，时代在改变，传统笔墨的标准不会改变，改变的只是表现物象的外在形态。”(徐华语)诚然，笔墨不仅是绘画工具，更是传统文化的浓缩，是画家全面修养、个性才情、绘画功力的外化，画家笔墨能力的跃升决非轻易梦见。
经过凤凰涅槃式的努力，重入炉镬的徐华，从树石法起首，夯实基础，识见与笔墨能力都有了明显的提升，他的山水画创作将北方山水的雄强厚实与南方山水的讲究笔墨相糅合，如同其白皙文雅的外表包裹着刚毅质朴的志趣。简淡沉稳的笔墨，空灵洗练的构图，诗化梦寐的意境，清奇恬淡的风骨，表现着画家对自然景物的感受，诉说着画家丰富的情愫。生于黄土高原，长于黄土高原的徐华对家乡山水充满眷恋，每年假期，他都会打点行装，跋涉于大漠戈壁、山川野岭、草原乡寨，以苦行僧的坚执忍耐，捕捉、体悟大自然的生机灵变。自小惯见茫茫大雪的徐华喜画雪景，《陇原雪霁》、《山居图》等通透着如玉般的光润洁净，营构出安谧纯粹、人天合一的宁静世界。特别是《暮雪图》表现太阳西下之后的雪原，似乎为前人所未及，尤其值得进一步探索。著名美术史论家王伯敏观看徐华雪意画后，欣然题写“陇西人，爱雪写雪”以褒奖鼓励。
从徐华画中，我们不难窥见画家的心境，他致力于领悟中国文化精神的内核，画面折射出中庸、平和、自然、质朴的儒道思想菁华，追求优美隽永的境界，松厚朴实的笔痕既是天地万物的迹象，也是画家心灵的岁月履痕。
5、(张伟平 中国美术学院教授 山水教研室主任)
看来是“天意”成就了他研习传统的机会，这也让他对经典名作的理解较旁人先了一步，这一步是否跨得及时、重要，观其已经融入了很多山水画传统的创作画面就可以知道。当然，这并不暗指急补传统“活学活用”式的现实态度不好，而是以为，打着火把走路虽然比不上迎着朝阳走路，但总比摸黑强多了。可见阳光下的徐华对中国画发展的方向感没有错。方向对了，怎样走才能切合自己的本性呢?大凡很多画家都在这个问题上比较相信直觉而放任自己的本性。我看徐华倒采取了读书“近文”的战略，当画家不能明辩是非可称为一件憾事。读书能明理、去执，并不是使自己的“个性”少了，而是“心境高了”，个性依于理，绘事才会如意，顺情而达理。一个画家领悟的画理有多大，就能预测他能走多远。徐华画中隐透出的理解力使人更相信其画风的成长前景。徐华作画，善思而求变，明悟一理而手追一境，并常有所得。故每观其作品都心有所动，其亮点也印证了本人之灵性。
中国美院自潘天寿先生始定下(中国画)打基础须从临摹开始的教学方针延续至今，不知成就了多少人，徐华应该是其中一个受益者。当他以一个北方人的材质受惠于南方的中国美院以学传统为本的教学体系时，对他画风成型的影响可能就不可限量了。果然，读着他的近作，更坚定了这个想法。雪景《物华》、《暮霁图》是他运用山水画基础语汇尝试表述自己对北国雪山大岭那种单纯、洁净而又雄浑的美感。这种运用基础语汇表述感觉的成功，极大地鼓舞着他的探索精神，接下来的《水流云长》、《苔痕有绿水》等作品就更能体现出他探索的多样性，而这种学能致用的态度，正是一个年青画家必不可少的过程。我不能拿他去和历代大师相比，但跟他同时代的青年画家比起来，他的画多了一份沉稳，少了许多浮躁，多明了一分画理，少了许多的稚嫩。他可能不是那种不学就会的“顿悟”之材，不过如果能修到“身是菩提树，心如明净台”的境地，也应该是画家所向往的崇高境界。望着徐华这一步一步走过来的脚印，总让人心里踏实了许多。
6、(王佳宁 中国美术学院美术博士)
徐华很喜欢西湖，他认为清风波影中都弥散着一种文化，可能是吧。正如他的相貌，刚毅坚挺的背后抹煞不去的是那绵绵颂咏不尽的书卷，气息悠远亦为淋漓。看到他的山水作品传统的笔墨线条构图中不乏现代艺术表达气质，传统作品的演绎又分为清淡雅致与雄浑苍茫两个主要取向。有若他给人的视觉，清俊不乏浓烈，犹如那一湾西子的水，透明却又沉重一样。
除了画画之外，他很喜欢创作青花瓷，看到创作的青花长安系列作品，我的心气立即恬淡柔和了很多，当青花瓷器的传统器形与最为悠远的笔墨线条缠绕依偎融合，形成一种独特的印记符号，我们只能把它观照成一个美人，从那大唐长安道上走来舞动霓裳羽衣倾国倾城露华浓浓的美人，丰腴隽美却又含羞怒放。
徐华是幸运的。有幸的是在他的故乡有着敦煌的飞天结伴，沐浴着丝路上华彩篇章，同时身在长安，亦能感受到大唐厚重的历史文化尘封中，华夏民族烟波浩翰的五千年文化里日渐积淀渗析出的养分，这都将成为他日后艺术创作中取之不尽、用之不竭的源泉，有望伴随着时代的前行徐君能够不断地完善自我、超越自我、成就自我。
7、 (王锐 美术学博士)
徐华习画缘出于其天性，那种执着与热爱发自天生的秉赋。他的国画经过诸多名家高手的指授，转益多师，又得益于从传统筑基，加之自我灵性的把握与流露，既能使人感受到良好的传统功底，又能看到个人才情的展现。这对一个年轻画家来讲是难得的，“取法乎上”，他的路子正。
8、徐华绘画有着不俗的笔墨功夫，尺幅中见精神，古韵中得意趣，画面折射出中庸、平和、自然、质朴的儒道思想菁华，追求优美隽永的艺术境界。（The paintings ofXu Hua manifest extraordinary painting skills with the spirits coming alive from the limited scroll and charm given out by the ancient flavor .Essence of Taoism and Confucianism thoughts as the goldenmean,moderation,naturalness and simplicity are all reflected by the paintings for the pursuit of the exquisite and meaningful artistic state.)
略谈徐华的国画
文/ 张士增 （国家一级美术师 中国国家画院）
徐华生长在陇上，求学在西安。丝绸之路上渊源丰厚的文化艺术传统滋养这位有才华的艺术青年。通过自己的努力，在师友的帮助下，他正在迅速成长起来，在艺术的征途中不断取得新的收获。
他的作品首先取得了气质上的成功。作品中的气质，非指题材和技法之类的表面文章，乃是指作品深层所透露出来的思想和格调，这最能折射出作者的修养和追求。因为徐华追求的是艺术表现中深层的意义，所以他的作品能脱离陈陈相因的俗套和哗众取宠的噱头，从而表现出一种儒雅和诚恳的风范。
徐华很重视对中国画传统笔墨的理解和遵循。显然，他的作品中表现出他在这方面的种种努力和探索。有了笔墨，他便有了自己艺术追寻的出发点和参照系。也有了前进的基础。相信他今后某一天回首现在的这一段历程，一定会感触良多，一定会庆幸自己选择的正确。因为倘若画中国画而无良好的中国画笔墨基础，那是非常危险的。
画面的松动和笔墨的灵变，说明徐华对中国画写意精神的深刻理解，这是一个很好的开端。有了这个开端，我们有理由相信徐华在今后会有更大的成功，我们期待着。
2001.6.5
融会贯通 自成一格：评徐华的画
文/盛葳
徐华君90年代末期开始正式的水墨创作，其作品以山水为主，至今十年有余，积累了不少成果，形成了自己的绘画面貌。他先是于关中金城习画，后又负笈杭城深造。在古时交通不便，通讯落后的情况下，两地山水画面貌各异，说得夸张些，几无相近之处，后又因学派之故，两派山水至今仍难打通。不过，近些年来，不少中青年画家亦有致力于此者。徐华是其中一位。但徐华之南北融会，并非刻意为之，而是因生活学习创作环境变故使然。因此，在徐华的作品中，常常能见到淡墨少皴之法写三秦山水之作。近些年，徐华拜师杨晓阳先生，入门攻读博士学位。受其师影响，他于“写意”之创作和理论多有涉猎，且有成果。一方面，在自己的绘画中，强调“写意”之精神抒发，另一方面，又从理论的角度思考“写意”作为哲学美学范畴之当代意义。殊为难得。
无论是他的创作，还是理论思考，就“写意”而论，都有极其现实的价值。纵观近年来的大型的青年展、新人展，能一展写意之长且又有创新者，寥寥可数，而工笔则因题材、幅面、技法等方面的适应度而占上风。这么说并不是对工笔有何偏见，盖因艺舟双楫，缺一不可耳。写意精神作为传统之精华，不可不继承，在全球化与在地化的当代碰撞中，梳理和发展写意精神，更有其合理性。我想，徐华也正是意识到了这一点，故而在创作中有意识地加强了对写意的梳理研究，主动思考写意在当代绘画中的运用、发展及突破问题。正是因为实践与理论的双重推进，让徐华的绘画具备了相应的文人气息，脱开绘事之俗。
从语言和审美两方面看，徐华的绘画取得了应有的成绩，且与时下流行之山水范式有异，乃成创造。他的作品，常常是大笔淡墨先行，以表现主义之笔法写自然山川，在写北方山水时，注重营造缺少植被之山势丘壑，呈现其磅礴之气象，在写南方山水时，则以行笔带晕染，描绘烟雨蒙蒙之雾景。此外，徐华有时也以浓墨焦墨勾皴树石局部，突出物象，形成视觉观看焦点，强化淡墨形象不足之处，完整画面构图和整体氛围。墨之浓淡或侵润，或对比，亦为画面增色不少。审美范式和语言的突破是中国画发展的焦点，也是难点，在千年画史进程中，笔法墨法不仅高度程式，且一一对应着固定的物象对象，披麻皴只能画山，且只能画某种特定之山，他法亦是如此。徐华具有个人特色的绘画语言和风格在一定程度上打破了这种高度对应之关系，乃成当代。
意与境——我观徐华作品
文/李世南
对于中国画的创作现状，徐华与我颇有共识。他认为当前中国画写意精神严重缺失，集中表现为制作性、模仿性、趋同性、功利性，这使得中国画的创作正在背离中国画的写意精神。他还深刻地指出写意精神缺失在当前具体作品上表现是“假、大、空、满、细”。所谓的‘假’就是既无思想又无感情最终导致没有内涵；所谓的‘大’是尺寸越来越大；所谓‘空’是一样的东西不断重复；所谓的‘细’是制作越来越细密；所谓‘满’则是画的越来越多。他主张山水画创作应注重绘画背后的人文之意，而非自然风光描写与复制。
正如徐华认为，特别是山水画创作中应有人文之意。意境一直都是山水画创作过程中的要面对的一个重大课题。山水画理论中所谓的“含道映物”，就是说在反映自然的时候，应该有一个完整的主观境界。只有这样画家才能在创作过程中掌握审美的主动权，将客观的物象转化为主客体统一意境的同时，潜在地注入作者之“意”。这个很重要。
我与徐华初次交往，这是一个热衷绘画热爱生活的年轻人。他在南北求学过程中，受众多名家点拨。读博士期间阅读了大量的画史、画论，深入地研究了中国画的大写意内涵。更难能可贵的是，他将理论上的积累和沉淀应用于自身绘画的实践中，为其成为学者型画家奠定了良好的基础。他的作品朴实无华、阳光、淡雅，艺术品性和格调不凡。
从徐华创作的《终南山系列》作品中可一窥其绘画精神。他笔下所描绘的终南山，历来都是众多文人墨客吟咏的对象，并有“采菊东篱下，悠然见南山”、“南山塞天地，日月石上生”、“终南阴岭秀，积雪浮云端”等传世佳句。他的绘画以终南山为创作支点，我想他应该别有用意。终南山古有“寿比南山”、“终南捷径”之说，徐华正是钟情于源远流长的终南文化。他心追古法，意在当下，以冲淡清远之笔，书写《终南阴岭之秀》、《云起之时》、《白云回望合》、《日色冷青松》。画面追求一种超然洒脱之气，干净、静逸，色调是阳光笼罩下的淡淡的“冷”。这也许是他在繁华都市下，静思后的一种心境表达吧！中国山水画受儒道哲学思想影响颇深，“淡和”、“静空”之观自然沁入中国山水画中。苏轼将老子的“虚室生白”思想发挥为“静故了群动，空故纳万物”。而徐华的山水画则是在有意无意间将这种清和、虚空浸入其山水画中。他的绘画多以淡墨写之，即所谓 “淡”美，墨色淡而有骨、淡中求变，有层次、有深度、有厚度。墨色中透着股淡淡的清香，格调不俗 。
徐华也是一个勇于探索的画家。观其实验性的《水木兰庭系列》作品，“空”成为主题，作品中运用了中国文化中的亭子、围栏等单纯的语汇，画面空间布局自由随性，纯粹而富有禅意。整幅作品给人一种“一亭一净土，一念一清静”空灵之感，画面既传统又现代，具有当下性。这些画如果再随性一些，就更有意趣了。
自古西安多才俊，生活于此的徐华，定会在层层剥茧之后有新的升华。
2012年4月于北京
天青色的梦
——画家徐华和他的青花瓷
文/黎晓春
画家徐华，在笔者眼里一直是一个纯粹而简单的人。认识他有许多年了，除了他的艺术，对他真是别无所知。每次见到徐华，他都是学院派的穿着，干净艺术，深邃而坚定的眼神里总是有着新的目标，而这些目标都是围绕着艺术，围绕着画。那几年，每年见他一次到两次，他像是在蹦极，让人有士别三日之感。
记得刚认识那年，看他出版了个人的山水画集；再见时出版了一册收录了二十位国内画坛大家访谈的专著《水墨面对面》；又见时，是看他参加的几个展览的画册：《西风浩瀚——西北五省国画百家展》、《灵山雅集——首届中国佛教艺术作品邀请展》、《印象碑林——中国画二十七人提展》……他总是让人目不暇接。最近见他时，又让人大吃一惊。画家徐华发现并喜爱上了青花瓷的制作，而且在西安举办了《青花长安——徐华作品展》。12件精挑细选的佳作甫一亮相，便让圈里圈外人看好了这画家徐华与“青花·长安”的一段佳缘。听说有这一组作品，笔者趁徐华回兰的机会一睹为快。当街上的商铺不时地放出周杰龙唱的《青花瓷》时，笔者正走在前往画家徐华画室的路上。画家的画室一定有一张硕大的画案，笔墨纸砚，文房四宝一定是齐备的。徐华的画室也不例外。最让人欣喜的是木格窗下，看起来有些年头的案几上放着一套功夫茶具，一路走来，又热又渴，呵呵，看来可以在这里赏瓷品茗了。博古架上，这一组以“青花长安”为题的12件青花瓷，错落有致的摆放着，各异的形态，不同的韵味，幽幽的色泽里散发着山水之味、古玉之质。什么是中国味道？都在这里了！国画、功夫茶、青花瓷……几千年一路行来，笔者笑称都聚到徐华你这里了。当听到CHINA这个英语单词时，不知道大家有什么样的感觉？瓷器，中国，对了！瓷的故乡是中国，瓷的美丽让世界了解了中国。在中国，陶瓷的产生距今已有三千年的历史，经历了由陶到瓷，再陶、瓷齐驱的发展历程。这种采用手工绘画、手工制作的高温瓷，是在逐渐以自身独特的文化含量和艺术魅力改变并影响世界时被喻为了中国文化的象征。在徐华的画室，一件件细看每件瓷器，隽逸、清雅、明净不凡。不过作为山水画家，为什么会与青花瓷缘结呢？笔者很好奇。中国画分为山水、人物、花鸟三科，其中山水画包容量是最大的，也是最复杂的。青花瓷的绘制内容，也分为山水、人物、花鸟。作为山水画家，徐华说，画青花瓷是件很自然的事。但是中国画与青花瓷的绘制，除了材料不同外，中国画是平面的，瓷器却是一个筒状体，所以作品的创作还要注重背面、底部和其它的部位描写，全方位的关照它的观赏性和完整性。徐华说，青花瓷中的釉中彩绘制，胚子的质感和中国画的宣纸的感觉非常接近，掌握好了，甚至能感受到宣纸上水渍与水墨淋漓的流动感。大画家林风眠绘画的用笔就是借鉴瓷器的疾速用笔，成为自己绘画的一大特征。大家眼中司空见惯的青花瓷又叫青花，在唐宋已见端倪，成熟的青花出现在元代景德镇，明代青花成为瓷器的主流，清康熙时发展到了顶峰。徐华的青花瓷与古时的相比，总结有五不同。首先是时代不同，二是器型不同，三是所用的釉料不同，还有就是观念和手上功夫的不同。徐华的青花，每一件器型，都由他自己设计，在传统中融入了许多现代元素，削弱了使用功能，更加注重了瓷器本身的观赏性。徐华的青花，不画画，也很美。原来在选择釉料时，他喜欢用元青花料，色泽古雅又不失靓丽。在选择陶土与窑口时，他不惜成本选用最好的，以求精耕细作。徐华说，瓷器的绘制是需要悟性的，我对瓷器很敏感，一上手就很有感觉，这也许就是命中注定要和这泥土结缘吧。他将多年来的绘画功力，全部投注到绘瓷创作中，力求每一件作品都达到意与韵的完美结合。2010年12月，他创作的《百草三味》瓷器作品荣获首届“当代十大名窑”创新奖。一件好的瓷器除了设计、用料、绘制之外，选土、拉坯、制台胎、喷釉、烧制等，需要近十个人的全力合作，才能完成。一件精品则是在几十件甚至是上百件作品中偶尔得之的。特别是青花釉里红的烧制，古有“千窑难得一件釉里红”之说，获奖的《百草三味》便是几百次烧制中得到的釉里红珍品。目前，中国瓷器被整个世界关注着。在国内近1亿的艺术品投资与收藏爱好者中，“捧瓷大军”比例居首。不管是国际还是国内，青花成为藏家关三味》获奖后，徐氏青花被誉为文人瓷器，很多人能以收藏到一件作品为荣，作注的焦点。市场上只要带一点釉里红的青花瓷就比纯青花要高上几成。当《百草品曾多次被多家机构收藏与报道。市场上每一件瓷器作品少则几万元，多达几十万元。
在市场看好的目下，徐华坦言，“真是无意插柳”的收获。他之所以喜欢青花瓷，是因为青花中所透露的是一种“初发芙蓉”般的内美，是闲、淡、高、逸、清、静、意、远的一种升华。这其中当然更是与徐华内心的艺术审美相契合，使他有种心灵相融，相见恨晚之感慨。笔者看徐氏青花将中国画文人大写意气象，抒写在瓷器当中，诗意、画意、情意、古意弥漫其中，令徐氏青花脱尽俗尘，最是一绝。与徐华聊青瓷，从古到今，真是一段愉快的“穿越”之旅。
本文结束之时，音箱里正传出周杰龙的《青花瓷》，将人带进美妙的青花世界中——素胚勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆，在瓶底书汉隶仿前朝的飘逸，就当我为遇见你伏笔……天青色等烟雨，而我在等你……月色被打捞起，晕开了结局，如传世的青花瓷自顾自美丽，你眼带笑意……
青花瓷
——泥土的生命狂想曲
文/ 席雯
200多年前，匠人将泥土团结起来，和画师一起，赋予它们灵魂。白底，青花，属于泥土的生命狂想曲被今人称为古董，也被称为国粹。有人认为，它的起源最早可以追溯到商周时期，也有认为是在唐代，而不管源于哪个朝代，它无疑都是一项属于中国的伟大发明。
目前发现最早的青花瓷标本出于唐代，成熟的青花瓷器出现在元代，明代青花成为瓷器的主流，清康熙时发展到了顶峰。如今市面上出现的青花瓷器多为明清时期的，2002年北京某拍卖公司的一件“元代青花‘鬼谷子下山’纹罐”以1.2亿人民币成交标志性地引爆国内“青花热”，接下来，清乾隆御制珐琅彩杏林春燕图碗、雍正官窑粉彩蝠桃纹橄榄瓶、
乾隆粉青釉浮雕芭蕉叶镂空“缠枝牡丹图”长颈 胆套瓶、成化斗彩杯等等，成交价位均堪称传说。经典艺术品人人都可以品鉴，收藏、投资它们却只是少数人的行为多数人的梦想。
周杰伦一首《青花瓷》，让很多人对传统的东西有了新的认识。 拥有一件青花瓷，不是奢侈的梦想，而是生活的品味。现代的艺术家们除保持着它本身的传统气质外，还融入了多多少少的现代元素与纯个人色彩，这些高高低低的瓶瓶罐罐从来都不乏观众，在当今火热的收藏市场上也已成为了新宠。欣赏和选购现代艺术瓷器，可算是一门很深的学问。首先得具备一定的艺术修养，学会鉴别和挑选那些艺术质量上乘的精品，即看画功是否熟练，色泽是否晶莹，装饰是否手绘等等，此外，价格、器形、颜色等也是考虑因素。至于“九方”（即胎、型、釉、彩、绘、足、款、社会和神）“五法”（即闻、问、望、切、听）是相对专业的品鉴方法了，对于入门的投资者，可以先从小一点的盘子、花瓶及陈设与实用兼而有之的茶具、酒具、文具等入手，如果达到形象美、情趣好、内涵深三点，就可以算作是一件好的艺术品。
长安新开青花一朵青花，长安——两个同样古老的词。青年艺术家徐华固执地把这两个词并列在一起，有他足迹的地方，必有这个词组如影随形。没错，是词组，在他看来，青花瓷和长安城都是有着特殊地位的，一个是在国际范畴，一个是在历史范畴，而他要做的，是把他们融为一体。
在徐华看来，几十年的国画手上功夫，为其绘制青花瓷打下了良好的基础。年轻、时尚、大胆、自信，70后的性格特质和经典传统艺术相融合，造就了一件件很有feel的作品。2009年12月，他和麻元彬共同在西安美术馆举办了“青花长安”的展览，展览作品无论是形式上还是题材上都让人眼前一亮。“原来可以这样”，“原来可以那样”——古今的冲撞为这种独特的艺术门类制造了无数种可能。
有一种人是天生对某一种事物负有责任的，徐华说，他之于青花瓷就是这样。从原始的热爱、创作冲动到器形的设计、题材的把握、表现的形式等，都能很快上手，尤其是灵感，他说，几乎不用刻意去找，因为时时都有。比如走在路上看到某个别致的建筑、走在超市看到成堆的苹果、躺在床上思索房间的摆设……和所有艺术家一样，对自己的作品，他爱到成癖，因为青花瓷从烧制、温度、摆放位置到料水的浓度，有太多不可预知的威胁因素，因而，一件成功的作品便更显的珍贵。在徐华的家里，没有特别震撼人心的作品，也没有最好的作品，“所有的都是我的宝贝，而最好的一定是要留给别人的，因为只有好东西才会传承有序。”
徐华喜欢西方哲学，也喜欢道家的观点，哲学的逻辑外化在其作品中便是严密的构图、虚实的掌控与意境的悠远与超前。因为爱，这个低调的青年自信地背负着他的使命，一点点地把“青花”与“长安”两种元素调和在一起。只有真正实践过的人才能体悟二者融合的难度，徐华说，他才刚刚起步。
谁知道，古城的黄泥土有没有在狂想中向往永恒。

㈡ 何士扬的人物评价

何士扬或许从印象主义大师修拉那里获得了启发，他在中国写意画中大胆用色，并在保持东方意境的同时寻求中西文化的融合。我想，他的尝试是健康的，必将导致良好的结果。
－－高居翰(美国美术评论家)
何士扬在他的作品中展开了都市生活空间里年轻族群的形态、状态和姿态，用他的眼光带着我们迸入阳光灿烂的地带，看到新鲜的图景，也感受到都市的脉动。他的画在视觉反应上是直接的，在情调上是明快的，在心理上是健康的，这些看上去不复杂的特点集合在一起，就拉开了在都市主题上他与其他画家不同的面貌。在日下普遍沉郁、晦涩、萎靡的都市图像中，他的画是一种发拨。
－－范迪安(中央美术学院院长、教授、博士、美术评论家，曾任中国美术馆馆长)
何士扬的人物画,颇多中锋用笔,追求线条的委婉、流畅与刚柔相济的弹性,简练之中蓄有饱满,纤细之中富有力度,极具古雅之趣,而且张扬了天真的幽默韵味,和返朴归真的人性之情。读他的画,随着水墨的韵律、淡雅的色彩、细劲的线条,我们不难窥见魏晋名士那嫉恶如仇、超尘脱俗的面目中,又多了一层父子情深、师生谊重的慈祥风貌,从容大器,荡坦正直,使得他们潇洒、率真的个性,因之显得更为质朴真实、可爱可亲,妙趣横生,富有人情。而水墨白描的母亲,携子嬉戏,亦颇多家庭和睦的亲情乐趣。即使是高仕骑马,举手投足间也无不散发着轻松出游、天人合一的休闲愉悦之情。至于儿童放鞭炮、赏金鱼、玩跳绳等活泼场面,更是洋溢着民间生活的自得其乐和自娱娱人,寄托着平民百姓希冀岁岁平安、年年有余、步步高升的良好心愿。这些表现人间烟火的民生画面,有情有景,幽默生动,道出了人们渴望平安、祥和、自由、幸福生活的真理,也道出了画家对纯朴人性的真实理解,可谓笔精迹简,而意淡雅正。
——任道斌（中国美术学院国际教育学院院长，国画系、史论系博导）
中国美术学院何士扬教授在艺术鉴藏研究及教学实践中的一些尝试，引起我浓厚的兴趣。我没听过他的课，但听过他对我畅谈设想，看过他的教案，看过他和他的学生们做的“复古文本”及“复古实践”成果，深感他正在做一件非常有意义的事情。他对文房四宝、装裱修复及书画造型语言进行深入的文化探源和研究，寻找蛛丝马迹，寻找实证。他们的视线，投向了唐宋，乃至魏晋，努力破解古人是如何制笔、制墨、造纸、装裱，从古画、文献中寻找，而后努力进行复原、仿制。不仅仅文房四宝，他们还将视角深入到古代服饰、古代器物、古代家具、古代建筑等更为广阔的领域。他的“复古”实践，甚至还延伸到建筑、家具、灯饰等领域，他复原、仿制的唐宋风格的家具，令习惯于认识明清家具的业界人士眼睛一亮。我之所以对何士扬的复古实践如此赞赏和推崇，是因为我深感当下中国的书法，“复古”或许比“创新”更为重要，“复古”不失为是书法复兴的重要途径。
——斯舜威（浙江美术馆副馆长，国家一级美术师）
何士扬是这些年来涌现出的实力派人物画家，既有扎实的功力，又具有独创精神，其人物画创作重视对都市生活的体验，在中国画探索上，作出了有益的尝试。
——李一(《美术观察》主编，博士、研究员)
何士扬的作品既继承了传统，又返身去重视现代人的审美感受，他以现代的构成原理为依托，以完全个性化的语言寻求传统中国画的现代表现，这种对传统文化进行新的论释的探索具有前瞻性实验和自立性意义。他用水墨画的婴孩系列，富有生活情趣，观之让人恍憾也回到了孩童时光。
－－王平(中国国家画院研究员、博士）
何士扬的人物可以说是直接反映当下的都市生活，他不仅画古人也画今人，以现代人的情调观察现实生活，追求一种清新明亮的调子，骨子里时时露出一个正字来。
－－卢炘(中国美术学院教授、原潘天寿纪念馆馆长)
何士扬的画具有鲜明的个人凤格。他的画给人的第一感觉是明媚的阳下耀眼的色彩。他将这种来自印象派的手法融于水墨之中，墨不再大面积地占据画面，而是被色彩分解，被消融在色彩之中，获得良好的效果。
一一贾方舟(美术评论家、教授)
何士扬对古代笔墨纸砚的工艺研究，和重新追寻传统笔墨与文化精神，并在教学上提出专业教育与人文熏修并重的教学理念，是一种“从容与端庄”。可以说，何士扬以一已之力用笔墨纸砚确立了一个当代文化背景的东方艺术地位。文房四宝所擅长的勾勒之美，是中国文化之美的表征。它与西画之美同为人类精神文明的伟大结晶。笔墨纸砚文房四宝，是中华文化的通用利器，但何士扬却都让它们带上鲜明的新时代烙印，并以此勾勒出东方文明精神。
——高世现（70后诗人、《新诗经》主编、《中国微博诗选刊》主编）
何士扬的现代彩墨人物画在当代中国人物画坛风格鲜明，引人瞩目。他的作品营造出一种悠长而携永的况味，那仿佛是他曾居住的海滨之城厦门的况味，始终弥漫在画面之中，令人咀嚼回味。
－－毛建波（中国美术学院教授、博士生导师、美术评论家)

㈢ 研究生,有人外面的公司叫你私人处理一个你很擅长的项目,你怎么处理

艺术类硕士研究生期间应该如何学习？研究生期间会有哪些困惑和不足？论文如何构思与撰写……近日，中国美术学院艺术管理与教育学院副教授、艺术管理系主任王犁结合自己的经历与思考，以《未来学术的底色——研究生期间我们需要做些什么？》为题，在中国美术学院硕士研究生的课堂上给出了其建议。
以前常给本科生聊本科四年应该注意些什么？硕士研究生阶段跟本科生肯定不一样，在提醒大家前我还是先聊聊自己读研究生时在这个阶段的困惑和不足吧。
一
出于对文学的爱好和近代美术史的把握，我在两者之间找了一个交叉点，博士论文写傅雷与黄宾虹——博士论文写了实足一年半多，题目是《几上峰飞来——傅雷与黄宾虹几个常见问题的疏证》，十五万字就写了三个问题：1、黄宾虹生前有不有名？2、黄宾虹的国际视野？3、傅雷为黄宾虹做了什么？博士论文答辩通过以后，我突然觉得，假如自己对近现代思想史再熟悉一些，会把黄宾虹的民族主义思想根源研究的更清楚。黄宾虹一辈子绘画风格都在变化，唯一不变的是坚信中华文化可以拯救未来的世界，也就是现在流行的说法“文化自信”。要知道他的这种文化自信是在晚清民初李鸿章所说的中国社会正逢“三千年未有之变局”的大背景里确立起来的，其根源是否值得我们进一步去研究呢？很多朋友问我读博收获了什么？我说收获当然是很大的，例如明显感觉我的文献阅读能力增加了，但认识问题的深度还不够，驾驭材料的能力也不足。
1951年出席全国政协会议时的黄宾虹
1964年译著《艺术哲学》出版后的傅雷夫妇
我是国画人物专业出身，教学之余，读书、写作、画画、练字，字一直写不好，但一直也不愿意放弃，故在写字上花了很多时间，剩下留给画画的大概是教学之余的四分之一时间，有时还会更少。去年在天津美术学院国画学院做了一个讲座，讲座后提问环节有同学问我，这个阶段绘画上的困惑是什么？我才开始反思这个问题，自己现阶段在绘画上，对经典转换的能力还不够，也就是处理形的能力要建立在对经典的转换上，而不是自己向壁虚构硬搞，自己凭空处理的形，总觉得格调不够高。
这就是摆在我面前两个水平为什么不够的学术命题。
孔夫子说“五十知天命”，也就是一辈子可以做到什么程度，到了五十岁已经可以有个大概的估计，但还有什么动力让自己继续前行？人总是这样，不管什么阶段，只有尽力了，才无怨无悔。
我常跟朋友聊起，学问不一定做的好，但努力成为一个明白的人，或者成为一个不人云亦云的人。
二
那么硕士研究生阶段，我们的学术问题是什么呢？我先不聊学术问题，先聊聊怎么与导师相处的问题——
谈什么我总先谈人，谈完人，再去谈人要去做的事。以前我总提醒本科生，是否能够和老师相处成同行、交成朋友，说实话现在的本科教学，师生间不熟悉是很大的弊病。同学的性格大概怎样？同学擅长什么？同学们的喜好？他（她）是哪里人？怎么走上这条道路的？这些人与人之间基本的了解都不具备，怎么做到因材施教？
那么我们的研究生阶段呢？假如本科阶段是因为人数多，教师上课面对不同的班级，造成相互间不熟悉，研究生阶段人数相对少，我们怎么来弥补这个弊端？我建议大家在一年级完成必修课和选修课之余，多去导师办公室坐坐，条件允许一星期一次以上，条件不允许的话，一个月至少一次以上。假如自己离开杭州，最好给导师打个招呼，说自己什么事离开了，大概什么时候回来，这不是制度意义上的请假，实际是人与人之间的信任和亲近的方式。从硕士研究生开始，你的老师就是你的师傅，因为这层关系，将会一辈子与你有关，你相处的好，会是父母以外这个世界上最亲近的人。这种相互的关系，首先你要有这个意愿，需要具体行动实施这个意愿。我看过很多北大学者怀念老师的文章，写到老师平时闲聊怎样影响他的读书治学，研究生阶段的学习很多并不是只局限于传统的课堂中。也正是在这样的日常交往中，你的性格是什么，导师的性格怎么样，都有相互的了解，从而建立师生间的信任和友情。
三
聊完人与人的交往后，我们再聊聊学术。
研究生毕业论文要达到什么水平？最低水平是不抄袭、符合基本的要求，能够勉强通过毕业答辩。假如只有这个要求，我估计你这辈子跟你研究生从事的专业也就没有太大的关系了，或借助这个专业出身的理由，混碗饭吃罢了。
那么高水平的硕士研究生论文需要达到什么水平呢？
首先，你要知道你就读的专业国内一流学者是谁，你能不能给你们专业的学者排出一个你眼里的排行榜？这些学者的学术成果放到近现代这个专业发展史上水平如何？其中你最喜欢的学者，成名作和学术制高点的作品是那几篇文章或专著，他们是什么年龄写出来的。到这一步你就开始慢慢知道你就读专业所处的学术现状，在这个学术现状的前提下找到你的定位和未来的目标。
美术教育专业的学术制高点在哪里？首先要知道它不是对大中小学美术教育的一般性陈述，它肯定涉及教育史、政府的教育政策、教育学、心理学、社会学等领域。而中国当代做美术教育研究最好的专家又是哪几位？放到整个教育研究领域他们的水平又怎么样？中国人聊大学，开口闭口北大清华，我们了解北大清华做教育研究的学者是哪几位？他们在中国当前研究教育的地位有多高？形成他们的学术高度的学术资源又是哪些？聊到这里，我想再强调一下，我们要把从事美术教育这个职业和从事美术教育研究区分开来 ，我们美术教育研究的学术制高点是研究美术教育理论的方方面面，而不是从事美术教育的工作。美术教育这个学科在中国八大美术学院中，从美术师范系到现在的美术教育系，美术师范系只是给当时的中小学培养美术教师，没有美术教育学研究的任务和责任，美术教育系是2002年扩招的结果，所以美术教育专业在美术学院中发展并不稳定，或许在人文学院史论系美术史研究中涉及教育的某些研究成果会更好一些。真正美术教育研究的学术成果，综合性师范大学会比美术学院做的好一点，比如北师大、首都师范大学、华东师范大学等，希望美术教育的研究生要关注一下他们的研究成果。
《大学精神》梁启超等著，中国友谊出版公司2004年8月第一版
《大学之道-北京大学的传统》刘军宁主编，天津人民出版社2008年5月第一版
《怎样鉴定书画》张珩著，文物出版社1966年4月第一版
黄涌泉（1927-2005），浙江嘉善人，被誉为国内研究陈洪绶第一人。
《法国文化政策：从法国大革命至今的文化艺术机制》 杰郝德-莫里斯著 五观艺术管理有限公司2004年1月第一版
作为研究生，我们只有了解这些，我们才知道我们可以接着做些什么。
四
下面再谈谈硕士研究生的学习。
研究生学习除了必修课与选修课以及专业课程以外，专业课程的安排每一个导师的情况又不一样，但是，不管怎么安排其实都有大量的自主时间，这些时间都是应该拿来阅读的。
我大概计算了硕士研究生的三年时间可以读完多少本书，书有厚薄深浅，假如精读两星期一本书，一年也就24本，三年72本，研究生期间读72本书并不多，当然阅读有精读与泛读，我会在精读一本书时，泛读其他稍浅一点的书，这样的话用深浅来调整阅读节奏，也是阅读的休息方式。但是，我们很多同学要扪心自问，我们养成这个阅读习惯了吗？说不准这个并不多的72本也读不完。
我去年才获得硕士研究生导师的资格，还没有第一批学生，我正全力以赴的等着他们的到来，或者说，人类有一种藏在黑暗深处“虐待”他人而获得快感的动物性。
当我获得硕士生导师资格后没几天，学校研究生处就派了个访问学者给我，访学时间四个月，访学大概是硕士研究生的教学要求。四个月其实时间很短，我为了不耽误她，很快见了个面，给她说我能够提供什么帮助。还有四个月时间其实很短，学院的硕博课都公开，可以按自己的需要选听，我本科的课也可以来插班上，但有一个要求就是两周一本书的阅读量，一个月选一本写书评，四个月最好完成四篇书评，再找一个选题写一篇专业论文，作为访学的业绩。写书评的目的是逼自己看书仔细一点，还有训练文字的表达能力，当一定的阅读量和书评的文字训练，自然就推出了最后要完成的论文。她就问我要看什么书？其实我最反对给别人开书单，看书是一本一本看的，读完一本发现的问题，就会牵出下一本，虽然趁年轻要多读几本“硬书”，但对于还没有养成阅读习惯的人来说，还是先看几本看得懂的书。当你觉得太浅不过瘾时，自然会去读更有深度的书。怎么写书评？我给她介绍了一个“上海书评”公众号，里面都是优秀人文学者写的书评，稍化点心思琢磨一下，学点皮毛也够应付普通报纸的“千字文”了。
《黄宾虹画传》王中秀著，西泠印社出版社2021年4月第一版
这位访学的同学递交第一篇书评是读王中秀先生《黄宾虹画传》，我给她标红批改： 1、不要有学生气，注意学术表达的口吻，什么口吻是“谦虚”？什么谦虚是“学生气”？自己要琢磨一下。2、每一遍文章要有不同的题目，不是“读后”。3、文后都要有写作时间。4、正文中的修改意见标红的地方。5、要完成两周一本书和一个月一篇书评的任务，不然四个月学不到什么东西。假如你一个月两本书选一本写书评，四个月就是四篇书评，假如有四篇书评发表，那是很骄人的成绩。后来这篇文章发表在2021年12月24日《书法报》“读书”版。第二次是看她全程旁听了我们学院“国之华光——中国近现代美术教育之路学术研讨会”，安排她写个学术活动的侧记，电话里又在给我各种扭捏，我说四天时间一篇五六千字的稿件，《美术报》要用，给我回答做还是不做？你不做我找其他人，不要在这个时候给我谦虚，后来就是这篇我们看到的2022年1月8日《美术报》“美育”版整版的文章。第二篇书评是我给她的任务，广西艺术学院的近代美术史家刘新寄给我的新著《中国美术中的广西图像——20世纪中国画家的广西行旅》，我没有时间写书评，就推给了她，推给她有推给她的道理，就是阅读这本书可以发现，在边远的广西怎么寻找与近代美术史有关的话题，后来她完成《20世纪中国画家广西行旅的研究意义——读〈中国美术中的广西图像〉》，发表在天津《中国书画报》2022年3月2日“美育”版面。还有一个月她访学就要结束了，我期待她最后一篇稿件。从前三个月的业绩来说，我相信她肯定比较努力和辛苦，也感受到什么叫充实，说实话一切事都是为自己做。
要有这样的阅读量和训练，怎么会怕最后的毕业论文呢。
这位访学的同学是来自宁夏固原学院的王宏芳。后来负责研究生工作的周华老师给我说，访问学者也是来自高校的老师，不能算学生，只是挂在某个导师名下带一下。
真是抱歉！我把她当学生“欺负”了。
五
再来谈谈研究生期间的业绩。
我们学院美术教育、艺术鉴藏是实践与理论兼修的人才培养方向，艺术管理是以理论研究和社会实践为主的培养目标。实践就体现在大家的艺术创作，刚听说我们学院黄骏教授的研究生一年级的创作成果，有四位入选全国青年美展，这是了不起的成果，也体现我们学院实践类的实力和水平。
另一个方面就是学术研究的成果，涉及论文写作与发表。
一提到写作与发表，我就想起作家余华谈创作，一个东海边海盐县城的牙医，很羡慕县文化馆上班的工作人员可以不坐班，睡到几点上班就睡到几点，因为他们是县里的文艺人才，文艺人才包括画画、唱歌与文学，他觉得自己这么大的年纪开始学美术、音乐已经来不及，那就写作吧。而且中国有那么多的文学期刊，基本上每个省由一大一小两份，比如浙江有《江南》与《西湖》，直辖市就更多了，写了就投稿，无数次不用以后，总有一次被编辑看中，于是出现在文学刊物，慢慢因为写的好，还成为了著名作家。这是上世纪八十年代的作家故事。现在因投稿而走上文学道路的少之又少，大概是网络上被某编辑看到，而慢慢出现在文学刊物上。
那我们研究生的论文怎么出现在刊物上？相信是大家关心的话题。
体现理论研究的成果，一是刊物发表；二是论坛发言入编文集。
要谈论文发表，就得谈谈现在美术期刊的现状和学院科研的现状。当你要进入大众的视野的时候，已经不是学生的身份了，是年轻学者，竞争对象是国内同行，或许很多是师辈同行。大家有没有听过C刊、核心期刊、一级期刊、二级期刊、一般性期刊的概念？所谓量化管理，就是便于管理，表格一目了然，省心省事。全国的艺术院校教师评职称，从讲师、副教授、教授，都要用刊物发表的业绩分层评估，把自己对个体员工的学术评价责任推给社会，优点是杜绝校园内部的人情和不公，缺点是学校推卸判断教职工学术水平的责任，学术水平不是文章内容决定，是刊登在什么级别的刊物上来决定，再也不会出现沈从文、梁漱溟这样无文凭有真才实学的学者进入校园了，那些拍板让沈从文、梁漱溟任北大教职的前辈，都有个体的自信和魅力啊。
接着说刊物。美术类刊物就那么几家，前几年艺术类传媒的市场化，也就是以版面付费的方式刊登，几乎摧毁了美术刊物的公信力，少数院校学报守住底线成为现在的“核刊”。现在纸质媒体滑坡，一是网络的迅速发展，二是自身没有守住学术底线。一个靠钱就能刊载的刊物，哪有什么学术公信力啊！这几年稍稍有点点回潮，没有前几年市场化那么疯狂。少数有责任心的刊物编辑想，反正大家对传统纸质媒体不重视了，办好办坏都卖不掉，不如把它办好一点，也就是极少数优秀刊物尚存的原因。
假如一个社会沦落到守住弱者公平正义的底线是一件不容易的事情，那么追求卓越只能成为每一个体的隐私。好的刊物有限的栏目，已经被那些为了评职称和项目结题的稿件挤得堵车；烂的刊物收版面费，稿件庞杂不分类，文章就是刊发在里面，也如泥牛入海无学术交流的光芒，只是达到完成硬性规定的目的，凑数而已。
在这个社会现状的前提下，我们研究生发表的机会在哪里？我仔细想想，应该是向各个专业院校举办的论坛和中国美术家协会和各地美术家协会举办学术活动投稿，很多画院的学术活动也向全国公开征稿，比如这几年扬州“扬州画派”纪念活动，无锡的倪云林纪念活动，绍兴的徐文长纪念活动，还有各大美术院校举办的各种门类的学术论坛，都会向全国公开征稿，有些还特意开设青年学者环节，这就给我们研究生提供机会，这些机会只要你的论文够水平，一般都会录用，假如有刊物联合举办的背景，还有在刊物发表的机会。这些论坛从征稿到截稿，大概半年的时间，现在网络很发达，只要有心就容易发现这些信息，选择与自己研究与学习有关的活动投稿参加，当你在这些论坛一展风采时，相信你会获得一些作为青年学者的快感。
六
硕士研究生期间有点传统师徒的方式，看很多前辈学者与学生在一起都是谈最近在读什么书，互相分享阅读的经验。因为研究生期间是共同学习的过程，我给大家分享一下我近阶段伴随研究的阅读吧。
傅雷家书
去年暑假接受“听松文库”的邀约，给他们翻译引进日本的一本楠濑日年《书斋管见》写前言，我又翻出我所有有关吴昌硕的书，把有关学者书房的书看了一遍，当然也认真读了这本已经编排好的著作，写下一篇权做前言的文字《没有什么比书斋更能展现主人的个性了》，虽然书还在上海人民美术出版社编辑的手上走审校的程序，也因写这篇四千字上下的短文，我阅读了《吴昌硕年谱长编》（朱关田编著，浙江古籍出版社2014年8月第一版）、《吴昌硕谈艺录》（吴东迈编，人民美术出版社1993年10月第一版）、《回忆吴昌硕》（刘海粟、王个簃等编著）等，还有几本有关中日文化交流的著作《近代中日绘画交流史比较研究》（陈振濂，安徽美术出版社2000年10月第一版）、《维新：近代日本艺术观念变迁——近代中日艺术史实比较研究》（陈振濂，浙江古籍出版社2006年10月第一版），在山西大学从事教学的日籍学者堀川英嗣先生，还为我提供了吴昌硕写给楠濑日年书法作品图片。文章写好后也给几位要好的朋友看看，希望他们提提意见，温州的方韶毅先生看了挺认可，建议投稿三联的《读书》，《读书》是我一直喜欢的知识分子刊物，假如可以发表，也很满足自己的虚荣心，我依建议行事，投在刊物的邮箱上，三个月也没有音信，没有入刊物编辑的法眼。我想告诉大家的是，大家看我发表了很多文章，更多的时候杳无音讯的退稿。
去年暑假还写了一篇有关诸乐三研究的文章，2022年是诸乐三诞辰120周年。诸乐三是吴昌硕的弟子，金石书画大家，在文献上我比较熟悉，但自己书法上认识薄弱，无法在其金石、书法、绘画上聊深入的见解，看到安吉诸乐三艺术馆丛书之一《诸乐三写生画稿》（山水卷、花鸟卷）（诸乐三艺术馆编，西泠印社出版社2011年12月第一版），写了《诸乐三速写浅论兼谈中国画教育的造型问题》的一篇万字论文，论文提交组委会后，卢炘老师也提了一些意见，给我国庆节的十天假日修改。我聊这些事就是作为我们这个年龄段的老师，也跟大家一样，并不是想象那么容易或简单，都要付出很大的努力，看文献资料其实是最简单的事情，怎么驾驭资料的认识高度，反而是我感到最困难的事情。暑假两个月还写了一篇林风眠研究的文章《〈傅雷家书全编〉中的林风眠》，这篇文章比较长有一万五的字，是我博士论文的副产品，写的比较快感的一篇文章。暑假两个多月，其间还接受毛建波老师布置的任务，写一篇与吴永良老师速写有关的文章。
去年十一月份无锡《书画艺术》主编薛源来电话，邀请我参加倪云林学术研讨会，我说对元代美术史不熟悉，对方问我熟悉那一块，我说近代美术史熟悉一点，对方就说你可以写一篇倪云林在民国时期的传播与影响，最后我找了一个更小的点，写了一篇《浙江博物馆藏黄宾虹〈临倪瓒山水图轴〉（1913）辨析》,写的非常快感，成了2021年下半年自己较喜欢的一篇文字。你看写文章就是这样，逼一逼也可以逼出跟自己研究有关的切入点，事后想到这件事，还是很感激对方的催逼。
寒假计划写四篇文章，最后只完成两篇。从正月初三开始精读陈恭禄《中国近代史》（中国工人出版社2012年1月第一版），读了二十多天才读完，这本完成于1941年的名作，真是让我为之感叹的一本近代史著作。抄一段与大家分享：“中国对于传教事业疑虑，慈禧于拳乱后，尚信教士挖眼取心配成药剂之说。德龄女士言其不足凭信，举其父裕庚办理教案为例，因论教士救济穷苦之事业。太后转言教士果实悲天悯人，救济穷苦，收养孤儿，医治病人，何不在其本国而来中国？其言足以代表大多数人民之思想，今日之怀此见者，数尚不少。”（第345页）读来感慨万千，虽然时至今日，挖眼制药已经不信，“无利不起早”以己之心度他人之腹，还是很普遍的事情。
实话说，我学术研究基础并不好，还好有基本的阅读习惯。哪怕做不好什么研究，看的东西多了，就会有宽容开放的态度，努力寻求独立判断事物的能力。
最后，我像建议本科生一样，在此提醒大家，要记得努力学习之余谈恋爱，本科、研究生都是人生最好的阶段，处理好男女之间的感情问题也是一种需要经历与学习的能力，也是感受“人之为人”最好的方式，但我要提醒你们，谈恋爱期间，男女朋友不要合伙做生意，情感夹杂着经济往来，基本没有什么好结果，最后影响的是你人生中最重要的三年学业。

㈣ 茹峰的品读：回归水墨

许多人把茹峰归结为在青绿上做文章，茹峰也说自己甫“以重彩形式来描绘自己所熟知的江南”时“茫然一片”，并不得不参照“水彩画的渗化虚实，光影律动”。那十年的他，力图“在艺术语言的拓展中，追求自然、谐调、平和，试图以一种诗化的语境去表现心中的江南”。茹峰很热烈地画着，希望能与古来传统的经典风格不同，又与当代山水画各家面貌拉开距离。这种想法十分单纯，就像他画中班驳的老墙，幽深而平实的雨巷，是自然不矫饰的，处处渗着一个发现者的妙不可言。其实不难发现，在“波影中摇曳的意象”背后，茹峰在探讨的并不仅仅是“彩”与“墨”的问题，他用心去做的恰是一个“色”字，而“色”并不等与“彩”，它属于传统绘画用色的范畴，在“七色”和“五色”中找寻灵感要远远比“彩”来的纯粹。茹峰就是这样，在“色”与“墨”、“色”与“水”、“色”与“水墨”之间行走，摸索着自己的路。
而茹峰笔下的“色”，也并不是严格意义上的青绿，茹峰的画并没有青绿的堂皇，他心中的江南是迷朦纯朴的，哪怕画的是瑰绿色的山石，晕色的路上飘泊着青油小伞，匆匆步履下的也是那被雨冲刷的有些晶莹的青石板，水气后淡定的依然是四合的天井，木质的门扉，屋檐上滴下的菁菁的雨。
可以说，茹峰是九十年代较早在现代重彩山水画创作上得到认可的画家，业界的肯定纷至沓来，茹峰尽可以像庄子笔下解牛的庖丁“提刀而立，为之四顾，为之踌躇满志，善刀而藏之”，以一招鲜“屹立”画坛。然而在九十年代末期，茹峰又决然地选择转向，重新进行“水墨山水”的探索。如果说以重彩形式描绘熟知的江南，是以与古人之不同，与古人的图式拉开距离，是一种另辟蹊径的聪明，而以古人习用的水墨表现江南，更是挑战自我的加压，意味着与古人血战的大智大勇。这种转向应被看成是画家 “寻找最恰当的表达形式”的又一次努力，是画家寻求自身艺术内在突破的需要。
2003年的《中国画家》刊载了茹峰的文章，他坦诚地讲述着自己的创作心路，不带矫饰的将“回归水墨”四个字放在所有铅字的前面，掷地有声。这是一种由浓重走向素雅，由追求张力走向平和的绘画实践。在他的水墨江南山水画里，我们看到了三五成排的黑瓦白墙的房子、雨雾氤氲的水道湖泊、斑驳陆离的砌墙石径，以及精心栽种的盆兰异卉，画面总是空无一人，非晨即暮，呈现的正是类似于“空山无人，水流花开”的“空境”。这是浓缩的江南水乡，是茹峰内心深处的江南世界，茹峰几乎把它们抽绎成一堆表现符号，有意地对某些物象进行变形处理，组构在各幅不同题目的画面中，并强化笔墨的功能。茹峰借助斑驳的肌理效果，不规则的留白，重组整合的几何空间安排，勾擦皴染的综合运用，营造出江南水乡之朦胧美，寄托了画家对逐渐逝去的江南水乡的记忆与惋惜。
茹峰还有一批更近乎“山水”意义上的山水作品，多为尺幅不大的正方形，墨韵氤氲，特别是云气的表现，多用墨色的晕染；山石的造型则仍作些变形，横擦竖皴，讲究山石块面的结构和层次；再缀以些许小树亭阁，达到了画家所要追求的画面“意象”，营造清幽的意境。显然，这是传统与现代，东方与西方的技法与观念等综合融汇的产物，它与现代水墨和实验水墨等类型的画作有着很大的差异。
从彩墨回归水墨，茹峰的绘画在变化中潜藏着不变，那是一种恬淡平和的意境，一种怀旧溯远的心绪，一种高古苍茫的追求。茹峰笔下的苏州园林不同于沈文唐仇呈现的吴门景致，茹峰笔下的富春山色不同于大痴体现的富春山居。这种不泥古、不冒进、承前启后的“改良主义”，恰恰是中国画发展的合理进程。惟此，中国画才能在千年发展中，走过尚形、尚意、尚趣的各各不同的历程，中国画家也才能笔墨当随时代地各领风骚。
（毛建波：中国美术学院研究生处处长 教授 博士生导师）

㈤ 梁小钧的名家评论-梁小钧

“深入经典”时没有“亦步亦趋”地将临摹作为目的，而是将原帖放大几倍甚至几十倍临习，气势开张，动人心魄。他将原帖中大量的重要信息摄取出来，并根据自己的重新理解，极性情地表现这些元素，实现了对古人的超越。——毛建波（中国美术学院研究生处处长、史论系教授、博士生导师）
梁小钧是一位颇有闯劲的青年书家。他对魏碑、狂草等书风情有独钟。魏碑形式颇具新意，狂草则气象开阔激情飞扬。我一直认为，书法家首先要有探索的勇气，要甩得开（观念与笔墨），把个人的情感表达出来，然后随着学习的深入慢慢地收敛，使书写的作品成为一种有意味的形式。倘若墨守成规，一点一画不敢越雷池一步，最后最多成为一个书匠。因为艺术家不仅仅要懂得修行，更要懂得突破。小钧可以说是当代有为青年书法人的榜样，祝愿他一步步走向成熟。——白砥(中国美术学院教授、博士生导师，浙江省书协副主席)
小钧虽然很年轻，却是我的一个老朋友。一个有着十几年交往的一个忘年交。每一次见到他或者触及到他，都带给我不小的惊喜。他愈来愈显露出非同凡响的才华。光有才华还不算，小钧在才华的背后是他对书法的挚爱，他的勤勉，他为人为艺的坦率和真诚，他在创作上的勇气和胆魄，这些可贵的素质萃于一身，在这短短十几年的历程中，有如此颖异的表现，也就在情理之中了。人的根性，利钝本来不齐，有些人学书要二十年，有些人要三十年，有些人也许一辈子仍然徘徊在门径之外！小钧对于书法的悟性显然是属于那种少有的上善的根器。小钧才高年富，中国书法的光明前景真正要指望他们这辈人了，我将拭老目以待之。——刘彦湖（中央美术学院教授、硕士研究生导师，中国艺术研究院副研究员）
梁小钧之所以能让人过目不忘，一是他身单体薄，却神完气足，善作大幅巨制；二是他龄轻年少，却眼高手勤，博涉五体经典；三是他科班出身却化古出新，寻求时代新法。他的创作实践，是对世易时移后书法艺术现状的正确反应。他如此年轻就具备强烈的创变意识和胆气，作品中充溢着旺盛生机和活力，假以时日，其大功告成是可以期待的。——刘洪彪(中国书法家协会理事、草书委员会秘书长)
小钧的临摹很高明，他不仅注意了“技术”，更重要的是他更注意了技术之外的一切。有的达到遗形取神的高度，有自己的面貌而不冲淡古人，有传统而不忘却自家，此书家难能亦复可贵之事。 小钧的创作我以为大草最佳，我看得爱不释手，他能恰当处理险绝与平正的矛盾关系。现 在有些人把险绝处理成险怪，或者让人感到故作姿态难受得要命。不能带给人以享受，专门让人“难受”，一字之差谬之千里。——孙其峰(天津美术学院原副院长、教授，著名书画大家)
行草书作为帖学的核心，写大字不容易，钧君以学院派的功力、以年轻人的豪情与审美创作巨幅大草，当属新帖学之精英。小钧君将细小晋字挥写成榜书，字形严整文雅且线条流畅而苍茫，更有价值的是显现出帖学的轻盈与流美，真正展示了他的才华功力与时代审美之素养。——张旭光（中国美术家协会副秘书长，中国书法家协会草书委员会副主任）
小钧我应该算是比较了解的，所以我觉得他其实没什么，就是能折腾而已。
他的才华真的不算高，但敢想；他想得不是很高深，但敢干。他干的活也不见得很精细，但很专注、很执著。说白了，他不过就是个认认真真、踏踏实实地折腾的人。
折腾是个动词，往往指称那些结果尚未进行评估的行为过程，这一过程的具体表现，就是把自己弄得很亢奋很忙乱，把观者弄得很激动很痒痒。.....小钧的当下，正是这样一种状态。拿书法来折腾，有点像没事找事，好端端的一件物什，他非要折腾成那样；本来没有的东西，愣是让他给整出不知什么玩意出来。反正三天两头的，他准有一出新戏。.....
人群中，只看到他在跑，所以不时地会让人瞩目。但后面没狼前方也没看到落钞票，因此也没多少人去在乎他在急什么。
急什么呢？
我也不知道，但每次看着他朝气蓬勃、大汗淋漓的样子，我总是喘着、并嫉妒恨地对人说：年轻真好。
——张羽翔（博士、中国书法院副研究员、中国书法家协会楷书委员会委员、广西书法家协会副主席。著者注：张羽翔老师是我的重要启蒙恩师，感谢张老师一直以来对我良苦用心的教诲。）
无外楼，剑磨十载，成在一心。“烈日”草营，八方同修，书林不胜之景也。其以天纵之资游艺，从无字句处解禅。循规而自成矩，反道却悟正途。永乐公曰：唯豁然心胸者，能极致身手也。六十秒书十一米，西湖半砚； 而立年建立命功，北流一梁。功成因命远不朽在无名。
无外者，大内之谓也； 大内者，能容之极也。包荒诸玄，谓之妙也。
张广雅怀，庶几澹之。咦，吾谁与归？所谓“大丈夫能本色，真名士自风流”，心无挂碍故也。
然，电闪闻雷，非九霄常态；花开见佛，乃千古恒心。心若如水，其善自足；善之善者，岂可方物？此则无外楼大草之余味。
楼主梁小钧，青年老成，未来宗师也。
——张培元（华学会会长、汉字书法研究会创会主席、香港书谱学院院长、书谱社社长）
小钧几乎每天都在与古代经典法帖对话，始终不离开经典，就如同画家长期坚持写生一样。难能可贵的是，在恪守法度的同时小钧又非常强调自由表现自我，这就如同一把刀刃的两个面，缺一不可。专业出身的小钧，所表现出的基本姿态，笔下有广阔的心胸气度，又怀有敬畏传统之心，这种创作理念，对当代书法是具有示范性意义的。——汪永江（浙江省书协主席团成员、创作委员会主任，浙江青年书法家协会主席）
我非常赞赏小钧的学习态度与人生态度，他执著于书法创作与创作的研究，直至沉湎于骨，书家中少见！
——陈大中（中国美术学院教授、博士生导师）
书法走到这个时代它应该怎么往前走——这样的命题一般书法家他不关心的，一般书法家关心的是字写得好就行了，这个书法怎么往前走不关我的事。但是对于院校出来的人他就有这个意识，就有这个使命感。实际上，中国美院的很多人才都有很好的积累，都有非常强的科研和探索的意识，这是一种引领创作的风气。梁小钧便是这样的一位颇具科研意识和探索精神的青年书家。他在美院从本科到硕士，经过严格的科班训练，又以在创作上的才情勃发，在书法创作与临摹方面，均取得不俗的成绩。在中国美院书法系的科班人才中，是一位引人注目的佼佼者。——陈振濂（中国书法家协会副主席、杭州市人大副主任、浙江省文联副主席）
我最喜欢小钧的大字草书。他以自己独特的理解，对经典进行了一种全新的演绎。作品透露出的陌生感，一定不会让观众的眼睛一滑而过！在神完气足的挥洒中，小钧对“度”的拿捏仍十分到位。表面的粗头乱服之下，是反常合道的“无心插柳柳成荫”。看看他对中锋侧锋宿墨浓墨枯墨方笔圆笔的运用，就不能不感叹艺高人胆大，不能不佩服小钧的好笔性！在一个开放的时代，对经典敢于做出如此大胆的演绎，也就在无形中把时代性糅进了作品中！——梁永琳（中国书法家协会理事、《人民日报》海外版《名流周刊》主编、中央文史馆书画院院部委员）
草书以其用笔的丰富性、结构的多变性以及章法的韵律性等诸要素，一直是书家达其性情的最佳选择。小钧以篆隶之笔法融入狂草的创作之中，用笔圆融朴茂，豪情万丈，力可扛鼎。在充满激情与冲动的巨幅草书创作中，胸中自有一股奇气喷薄而出，有沛然不可止遏之势，似乎在追寻与古人之天地精神相契合往来，我想这也是他选择草书作为自己安身立命之本之所在。
—韩天雍(中国美术学院教授、博士生导师 )
梁小钧每一次的探索与试验不一定都成功，但在相当多的作品中让我们看到了与艺术很内核的部分触碰后的痕迹。探索的价值已经被他不断进步的事实所证明，尤其是他的大草创作确实站在了当代草书创作的前沿了。写大草难，写巨幅大草更难，写长篇巨幅大草难上加难。这不是字大字小的问题，这是体力、技术、胆魄的综合较量。梁小钧打动我们的是其书法艺术的气象，以及人这个主体可能达到的创造力。
——鲍贤伦（浙江省文化厅副厅长、浙江省文物局局长、浙江省书法家协会主席）

㈥ 刘祖鹏的众家评说

为水讴歌为水传神
孙克（中国美协中国画艺委会秘书长、著名美术评论家）：
我看祖鹏的画很有生活，很有特点，功力也很好，他的修养、他的才气从他的作品中都能看出来。他的画即使在浙江画家云集的地方，相比之下依然有他的特点，有他较高的地位。现在，画坛呈现浮躁，急于求成。而祖鹏几十年一直默默无闻在画，画出了水平，我和尚辉先生愿意为他主持学术研讨。
尚辉（《美术》杂志执行主编） ：
我看了他展出的116幅作品，觉得刘祖鹏先生的创作有以下三个方面特点。
第一，刘祖鹏先生的作品来自生活，他把真正生活的感受融入了山水画的创作。所以刘祖鹏的山水画，我觉得最重要的一点是，他的山水画，除了有风景的特点，他的作品里有一种清新、新颖的感受，不同于我们所看到的传统的江南山水画。他的江南山水是浓浓的乡土气息的山水，而不是我们一般看到的文人观念中的山水。
第二，我个人认为，刘祖鹏先生用水的特点、用墨的特点，从一个方面体现了当代水墨画的发展。我们在刘祖鹏的山水画里面，看到了水墨在宣纸上所形成的特殊的渗化效果，即水墨的即兴性和偶合性，这些都是我们在传统山水画中很少看到的。我想，他尊重对客观江南的表现，必然尊重他感受的真实性，所以，他用水、用墨的个性和特点，实际上，代表了我们当代水墨画发展的这样一个新的时代特征。当然，用笔不就等于用线。我觉得刘先生在用水的同时，还是非常重视用线的。他接受了浙派用的宿墨，比如，吴山明用宿墨画人物，而刘祖鹏用宿墨画江南，用具有时代特征的水墨画江南山水是刘祖鹏的着力之点。除了运用宿墨，如何处理用笔与用墨的关系，实际上，我觉得他还是非常注重用笔的，虽然他不是用线，但是他对水墨的处理，除了水墨的渗化，还非常重视笔性，注重笔与纸的瞬间所发挥出来的感受性。正是这样他画的很多的江南，虽然是水墨淋漓，但是那个水墨淋漓里，有用笔的精神性。
第三，刘祖鹏先生的山水画，他的可塑性非常强。在我看来，他不仅仅能够画江南山水，还能够画黄河、金沙江和雪域大山。他有画江南小巧的境界，还有画大山大河的境界。同时具备这两种境界的，不是我们所有画山水的画家都能具有的。我们看他这幅《上善若水》的巨作，能够把水打到礁石的那种发散的状态，那种状态的变化，画得那么生动，而这又是通过用笔用墨去表现的。远看有它的气势，近看，你还发现他的笔墨处理又非常细微，非常精到。我相信，能画小画的人不一定能画大画，能画大画的人也不一定能画小画。我认为，刘祖鹏在当代来说，能够把小画画得非常精美，又把大画画得非常到位，确实难能可贵。从小到大，从大到小，从江南的山水到名山大川，他的可塑性非常强。
刘曦林（中国美术馆研究员、中国美协美术理论委员会副主任） ：
庚寅金秋，祖鹏来京办展，适余偶感风寒，术后咽喉恐难适应频言之聚而未能到场，至今引为憾事。此间，收君之画集，拜读再三，颇多审美享受，及人生、艺术感慨，兹略记一二于后。
祖鹏君来自江南湖州，斯乡称“水云乡”，乃诗意栖居之所也。君长于斯，感于斯，其“诗忆江南”系列最为动人。其画虽仍在当代“写生山水”流脉之中，却不拘于形似、体积、质感之外象，而多缘乎情，发于心，寄其意，故其境多情境、诗境、心境，诚如君之所言：“心境独有”。君与余同龄，未敢言世事洞明，却也粗知人生百味，君将人生感慨寄于丹青水墨，发人之思多矣。君题画曰：“风雨何惧，每个人都在旅途”；其余若“往事已如烟”，“如今鬓已稀”，余读之深有同感。孔丘有“子在川上曰：逝者如斯夫”之名言，亦缘水而生情也，当今画山水者，又有几人臻此境界！师造化易，得心源难。当今写生山水流风尚热，唯入于诗境、心境者寡，此正君之山水启人之处。
祖鹏乃智者，“知（智）者乐水”也。君遵“上善若水”之古训，引以为画展主题，颇合于君之题材，君之人格，亦合于水墨画之特性。君以墨韵奏江南小调，自得于笔墨“荡漾之气”，时梦萦“纸已干，画犹湿”之致，真得水之助也。君知水，水知君，君缘水而使画活，水缘君而使墨灵。沙尘燥干之北方画人难得此妙，气象润灵之南国画手如君之既得水韵犹有笔力者亦不多也。
祖鹏君题画曰：“五十年一觉如梦，至今未能尽善尽美。”当今之大家，如是诚言者少，多夸夸其谈作大师完美状。艺术实难尽美，潘天寿言笔墨须经得起几千年考验之语当醒吾辈。君与吾皆近古稀，当知艺术之难。知其难者当识艺途，亦有望知难而进也，愿与君共勉。
肖峰（浙江省美术家协会主席）：
杭嘉湖水乡之子刘祖鹏将水墨发挥至淋漓尽致，使作品充满诗意气质。
王伯敏（美术史论家，中国美院教授）：
刘祖鹏的画，笔墨有灵气，亦善用水，有些章法，颇有奇趣，望努力，必猛晋。
邓福星（美术评论家，《美术》杂志编委）：
祖兄画作清新散淡，笔墨苍劲而华滋，以传统手法表现个人独特感受，别出机抒，颇富生活气息，堪称中国画中之印象派。
赵延年（中国美院教授，著名版画家）：
我观看过刘祖鹏先生的个人画展，读过他四本画册，深切地感到他是一位刻苦钻研，在艺术上有不断突破的画家。他的水墨画挥洒自如，淋漓尽致，充满灵气。表现出了水乡的精魂，十分亲切动人。
章利国（中国美院教授，硕士研究生导师）：
刘祖鹏画出了江南清新灵秀的风韵，我用一句短语来概括刘祖鹏“水墨江南”的画境，那就是“诗意的朦胧”。刘祖鹏的画作以淡淡的情调深入人心，拨动我们的心弦。他画水乡，画氤氲，画晨韵，画夕照……在画面中他有一种真情的投入，这在当代画家中是非常难得的。按古人的话来说，他的画是“真心迹”，他拿出来的是真山水，画面中流露出他的真心情。第二点，他的画有一种自然而然的美。他那种自然的美是以情抒发出来的美，是用水表达出来的心中的画，是“心画”。他以情驾驭笔墨，自然地用墨用水，作品自然流畅，自然清新，没有雕琢的痕迹，这是非常难得的。
张华胜（浙江画院院长）：
一方水土养一方人，湖州是个好地方，出人才。刘祖鹏艺术上二个定位好。一是对生活的关注，他长期执着表现烟雨朦胧的江南，作品充满生活气息，这是题材的定位；二是艺术语言的定位。对点、线、面的探索，以大块墨色的变化，穿插点线的组合，找到江南水乡特有的感觉。
毛建波：（中国美术学院史论系教授，博士研究生导师）
刘祖鹏生长在水乡泽国湖州，他对水乡把握比其他人强，不象苏州篇具象描写，刘祖鹏抓总的感觉，把握水乡整体的意韵。他善于吸收多种营养，融会贯通，如西画的水彩、黄宾虹的积墨，尤其是宿墨，在墨韵中有厚重感。整体似乱而求整。江南水乡是一种朦朦胧胧的整体感觉，刘祖鹏这种感觉把握得较好。
曹工化（美术评论家）：
刘祖鹏以“感恩”的状态与江南对话，他将发自内心的感动生化为“水墨江南”，并让我们感动，这就是艺术的真谛。
郑竺三（美术评论家，画家）：
吾以为刘祖鹏的画乃是以画为境，传达出三个内容，一是以画写出了江南水乡烟雨蒙蒙的自然景象；二是以画传达出了作者淳朴的本真性情；三是以画写出了现代水墨情韵，乃至承前启后的艺术华章，画中蕴含了民族的人文与艺术的文化是具有地方代表性的，又是大气纵横的，更是浙派绘画的现代篇章。
李树声（中国美术学院教授）
看祖鹏的作品，一直以为是浙江美院毕业的，因为浙江老朋友肖峰也对他有很高很概括的评价，现在知道，祖鹏是自学的，太让人感动了，自学到这个水平，恐怕在全国也是少有的，他的刻苦自然不用说了。
看祖鹏的画，有一个强烈的感觉，觉得祖鹏这个人确实是这方面的料，有这方面特长，感觉特别好。画画不是全靠理性，要凭感觉，如果没有记忆力，没有强烈的艺术感觉，没有这种才气，不可能通过脑，到手，将画画得这么生动。
看了他的原作，感受最深的一点是他驾驭水墨的能力，看原作特别过瘾，那些墨色的变化，细微处简直太丰富了，没有驾驭笔墨的能力，就谈不上中国画。在他作品的几部分中，我最欣赏“诗意江南”，这是最成功的，他出生在江南，对水有情感，有情感才是艺术，情景交融。艺术表现、笔情墨趣都达到相当高的造诣，在国内应该是数得上了。但全国太大，北京容易冒出来，地方上不容易。我欣赏老实人，实实在在，祖鹏走寂寞之道，多年后，湖州有个刘祖鹏，大家会叫好，那是实际放在那里的，不是吹的，我有这种把握。
不足处，笔底功夫，不如用墨功夫，但也不要为笔束缚了你用墨的能力。
任平（中国艺术研究院研究员、博士生导师）
这次是祖鹏的一个大展，看到他的勤奋和才气，让我激动不已。对祖鹏的画，我用8个字：“水墨江南、如诗如梦”。祖鹏画的山水以江南为主，画江南小镇、平原、湿地，相对于传统山水，可借鉴的历代山水画的“原材料”比较少，所以更要借助于自己的创造发挥，这带来了难题，也带来了当代山水画创作的契机。他没有用皴法表现山石，而采用他善于的水法墨韵去表现江南，“水法”在祖鹏的画中非常突出（祖鹏的宿墨画得非常灵动），而且已有突破，这是他的成功之处。
刘祖鹏用水的创作技法和思路把整个江南的气氛烘托出来了，他以灵感和冲动表现对家乡无比的深情。祖鹏具有非常的艺术气质，诗意往往是在一个小的角落，或是树林深处，或是池塘一隅，在瞬间被发现。所以他的水乡有一种梦的感觉，一种美感，而又不沉浸在古人里，非常贴近现代人。祖鹏的画情多于法。有的画家一味模仿，而祖鹏的画有一种激情，表现得非常自然、天真、更有一种消散的风格，可能祖鹏的骨子里有一种魏晋风度吧。他的画有文人的消散，而对朋友热情，从某种角度又不是非常理性，正是非理性就是非常艺术的，当然，祖鹏还有可以提练和思考的方面，很多空间还可以发展。
赵力忠（中国国家画院研究员）
对刘祖鹏先生的画有8个字：第一是生动，二是扎实，三是率意，四是轻松。刘先生画的东西很全面，是个很勤奋的人，从造型能力、笔墨水平、书法、章法上看，都达到一定的水平。不看简介，很难相信他是个完全自学的人。我喜爱诗意江南小品中的春景、夏景，还有《水墨江南》，他把江南朦胧感受画出来了，很美，很耐人寻味。他的花鸟、人物也挺不错，再看《黄河绝唱》中乐队的小提琴手的手和弦，刘祖鹏把入弦的感觉画得很到位，还有那个指挥，头发一甩，艺术感觉很好。《含山印象》这幅画使我想起李可染先生画的绍兴，你们都站在上帝的位置，角度也差不多，刘先生画得比较朦胧，各有所长。刘祖鹏的线也好像受李可染先生的影响，刘先生好的方面是多能，线的方面还要探索。
18年前，祖鹏的老师曾宓到北京的第一个展览也在这里举办，今天刘先生也来国家画院美术馆办展览，很有意思。他画的《杏花春雨江南》有好几幅，李可染先生画过《杏花春雨江南》是经典之作，刘先生的江南是潇洒，他的起稿和中间加工都不错，是不是在细加工方面更加强，如杏花的色彩就不如李可染先生的纯。刘先生是否可以将题材适当集中，像齐白石每年给自己出一道题目，集中优势兵力，解决一个问题，总的来说，我还是喜欢你的作品，生动扎实，率意轻松。尤其是做到轻松而不散，扎实而不死，这是很难的，刘先生，祝贺你。
美国 席欧（摘自美国《世界日报》）：
刘先生在心与自然碰撞中，在传统与现代的对话中，形成了属于他自己的独特语汇。
谢尔盖.切尔卡索夫（俄罗斯功勋艺术家）：
刘先生以中国书法的符号，吸纳欧洲绘画的元素，作品中蕴含着极丰富的艺术信息。